domingo, 31 de octubre de 2010

Shutter


Están entre nosotros (Shutter) de Banjong Pisanthanakun
y Parkpoom Wongpoom nos presenta la historia del fantasma de sexo femenino de pelo lacio, negro y largo, mismo que se ha utilizado en multiples historias de oriente para películas de terror de los últimos tiempos, lo que hace interesante a esta película es la manera en que desarrollan la existencia de ésta presencia y el espeluznante descelance.

La simple imagen de una persona puede llevar al recuerdo más remoto a la presencia de un espíritu con sed de venganza, esto fue lo que Tun (Ananda Everingham) no sabía y lo que comenzó y llevó a los protagonistas al descelance más inesperado que se haya visto en alguna película de terror.

Los directores debutantes en esta cinta muestran un fantasma que en vez de llegar a cumplir su venganza e ir a descansar en paz prefiere imponer todo el peso (incluso literal) de su presencia sin ser meramente violento sino impactante la historia no deja de ser una historia frustrada de amor.

A través de June nos vamos dando cuenta de la verdad y el porqué de las cosas, gracias a esto el espectador puede resolver el misterio con este personaje activo para descubrir que la historio no es solo ruidos fuertes o música impactante sino una historia de culpa y desamor.

Dinah Pardillo

BUSCANDO A ERIC :P

La vida siempre ha tenido sus altas y bajas, los problemas siempre vienen y van si alguien no los tuviera que nos diga donde vive o que hace.
Eric Bishop un hombre con bastantes problemas, pero a la vez un hombre enamorado del baile, pero con un pasado que al paso del tiempo lo tormenta cada vez mas y mas.
Es un film bastante bueno el  identificarse con la vida y forma de pensar del personaje es muy notoria, son problemas y acontecimientos del día a día.
Desde mi puntos de vista me identifique mucho con "ERIC" en el hecho de no saber como enfrentar los problemas y la desesperación de no saber como hacerle para poder salir o enfrentar a los problemas como debe de ser en lugar de darle mas vueltas al asunto. 

JAVIER  ARMANDO MUÑOZ CARMONA       

domingo, 24 de octubre de 2010

HAY DE BRUTOS.. A BRUTOS..

"El Bruto" tiene buena historia y buena trama pero eso no le quita las malas actuaciones que hacen los personajes de la película, muy incrédulas y exageradas muchas veces, bueno, más que nada que la actuación no era buena en los años 50's.

A pesar de ser una película a blanco y negro y no poder apreciar los colores de cada cosa como en la actualidad, tiende a ser entretenida y graciosa en diferentes aspectos. El guión carece de riqueza y la actuación como ya mencioné no lo favorece. Las películas mexicanas se caracterizaban de eso antes, guiones que carecían de extensidad, actuaciones muy exageradas y mucho drama.

Hay muchas escenas sin cortes, con pocos planos y cada personaje pues, se adapta a lo que tiene que hacer y dar a entender a su espectador y eso hace que se introduzcan en la historia de la película.

En esos tiempos no había muchas exigencias técnicas, más que nada, eran las historias, como si fueran telenovelas y sus finales eran de repente muy drásticos o muy inconclusos y como cualquier película mexicana de los 50's, narra una historia de lujuría, odio y amor.



LUISA L. LE BLANC LÓPEZ.

YA NO TE AMO..AHORA TE MATO

"Los Hombres Que Odiaban a las Mujeres" es una película con muy buen trama, te tendrá entretenido durante su duración ya que va desde el género drama hasta suspenso. No es de buena calidad de la forma en la que está grabada, es como si ya fuera una película vieja como de los 80's pero no le quita lo interesante que es ésta película.

El guión está muy bien realizado, es un guión enriquecido con palabras poco pronunciadas en la vida cotidiana, más que nada un lenguaje periodístico muchas veces, pues, la película trata acerca de resolver un caso que lo llevan a cabo un periodista y una detective, aunque también son expresiones entendibles para el público al que va dirigido.

Toca diferentes puntos y diferentes historias pero que dentro de lo cabe, no se daña el concepto de la película, algunos aspectos son duros pero con un realismo muy digno como la historia de Lisbeth y su tutor que presentan las tendencias violentas del personaje de Lisbeth, no tiene un argumento plano, cada personaje transmite la personalidad a la que tiene que adaptarse para que sus actuaciones sean crédulas.

Muchas escenas son de gran dureza y otras con mucha intigra y tensión aunque ya casi terminando la película te pones en un estado de suspenso. Su final, no es convencible del todo, pero podría venir siendo lógico e inteligente.

En fin, un producto europeo decente.


LUISA L. LE BLANC LÓPEZ

domingo, 17 de octubre de 2010

Money, money, money more please

Wall street: el dinero nunca muere es una secuela del film de 1987 hablar de secuela suena a excesivo: la cinta no deja de ser un remake a lo grande de la anterior, cambiando algunos detalles pero manteniendo intacta la relación entre maestro y alumno (esta vez, Shia LaBeouf), el componente personal que mueve a uno y a otro o ese aroma a venganza que parece ser el único sentimiento por el que actúan los grandes empresarios. 
El propio director deambula por la misma senda recorrida en 1987, volviendo a un sinfín de artificios visuales vistos, muchos de ellos, en el primer “Wall Street”.

demasiados son los elementos que han salido mal, empezando por unos incomprensibles 131 minutos de duración, como para poder aprobar el examen.
Empecemos por una cuestión de base: una trama de corte económico, de por sí, puede hacerse muy cuesta arriba por importar un pimiento a la mayor parte del público. Si la primera parte evitaba el descalabro era a base de concentrar casi todos sus esfuerzos en tan peliaguda temática, obligando al espectador a hacerse con ella sí o sí.
En “El dinero nunca duerme”, en cambio, el guión juega en dos tableros netamente distintos. El primero sigue siendo el poco amigable terreno empresarial, que además suena a mucho ruido y pocas nueces siendo, de nuevo, un envoltorio demasiado complejo para un contenido más bien simple. Pero es que además, la película sigue los devaneos sentimentales de LaBeouf con Carey Mulligan, que resulta ser la hija de Gekko.
Puede tardarse más o menos, pero al final resulta inevitable percatarse de que “Wall Street: el dinero nunca duerme” no tiene nada que ofrecer, y su desfasado discurso sobre la crisis actual aporta tan poco que, para eso, mejor recuperar la anterior. Caprichosas curiosidades de la mediocridad cinematográfica, esa burbuja que sube por los cielos en los primeros compases del film -burda metáfora de la economía- es lo que acaba siendo la nueva intentona de Oliver Stone por recuperar su terreno perdido tiempo atrás: una película hinchada a base de aire, que no tarda en estallar para mostrar su nulo contenido.

Estefania vieyra Rivas

domingo, 10 de octubre de 2010

ANNIE HALL

Es de las mejores películas en la historia, el guión es impresionante tiene ese toque irónico y sarcástico con adaptaciones muy inteligentes de los personajes principales que conllevan a desarrollar los pensamientos de éstos que afectan los problemas de su relación.
La historia está contada en un tiempo lineal pero en este caso Woody Allen mete historias entrelazadas que van contando su vida amorosa pasada hasta la actual y están muy bien adaptadas.
Este tipo de películas que te cuentan sobre una relación amorosa hacen que te hagas muchas preguntas:
¿Me pasará lo mismo?
¿Qué haría si me pasara eso?
¿Cuántos matrimonios tendré?
¿Podré enamorarme de una sola persona?
El destino es lo que podría definir de lo que trata la película, ya que son varias cosas por las que una pareja tiene que pasar para saber si la relación puede o no continuar.
El final puedo decir que fue bueno y malo a la vez. Bueno porque no todos los finales son felices y por muchos sucesos no termina como el espectador quiere que termine y malo porque precisamente lo que digo, el espectador espera algo más y a mí me pasó eso.
Cabe destacar que el título de la película hace referencia al nombre de la mujer en la película, este personaje se destaca más que nada por la evolución que tiene durante toda la película y la interpretación con la que lo muestra la actriz se refuerza en el carácter que toma hacia un personaje más serio como el de Woody Allen.

LUISA L. LE BLANC LÓPEZ

sábado, 9 de octubre de 2010

“El camino a casa” es un film dirigido por el reconocido director de cine chino Zhang Yimou quien se ha destacado por manejar el género dramático histórico lo que le ha valido el reconocimiento de todo el mundo como uno de los principales representantes de los directores chinos.
El film, maneja una narrativa bastante peculiar ya que comienza con Luo Yusheng, un hombre económicamente despreocupado que regresa a su pueblo natal tras enterarse de la muerte de su padre y del desconsuelo que aflige a su madre por perder al amor de su vida.
Esta situación ocasiona que Luo Yusheng (su hijo), comenzara a relatar la historia que vivieron sus padres al conocerse y  como muchas situaciones complicaban el que ambos se casaran.
La película cuenta con una gran escenografía ya que la mayoría de ella es realizada en espacios abiertos y con paisajes totalmente naturales capturando la esencia y la época en la que se relata la historia. La iluminación es bastante buena porque complementa la historia en gran medida resalta la dureza de la vida.
La música captura e integra la historia, sentimientos y emociones por las que nuestros personajes continuamente dejan ver y transmiten de manera efectiva al público.
Ietza Gallardo Espinosa.


domingo, 3 de octubre de 2010

De la rutina a la sensualidad

La película comienza mostrándonos la monótona vida matrimonial que lamentablemente llevan adelante la pareja que encarnan Catherine (Julliane Moore) y David (Liam Neeson), dos profesionales a los cuales su excesiva dedicación al trabajo y la rutina que les ha provocado sus años de convivencia han hecho tambalear de alguna manera la excelente relación matrimonial que supieron llevar durante muchísimo tiempo.

Las sospechas comienzan a abundar, sobre todo del lado de Catherine, quien desesperada en sus pensamientos sobres posibles infidelidades de David, decide recurrir a una prostituta de su barrio, a la cual contratará para probar hasta que punto sus sospechas son reales. Pero las cosas no saldrán del todo bien y Catherine tratará de dar marcha atrás con su propuesta inicial, sin saber que de todos modos un complejo juego sexual se ha desatado.

Erin Wilson fue la encargada de redactar el guión de este atractivo thriller dramático de alto contenido erótico, el cual se sustenta en demasía en tratar de recrear de forma bastante efectiva lo duro que puede resultar la convivencia matrimonial a lo largo de los años. Por eso mismo la cinta trata desde un primer momento de dejar bien en claro los diferentes problemas que afronta la pareja protagonista luego de muchos años de convivencia.


El Director Atom Egoyan centró todos sus cañones en darle a la cinta el mayor erotismo posible al constante drama que sobrevuela la pantalla durante absolutamente todo el metraje. Por eso mismo tendremos alto voltaje en muchísimas escenas, pero no sólo desde el punto de vista visual, sino también desde los impecables diálogos que el guión ofrece y que en un thriller de esta naturaleza son totalmente necesarios.Tanto Julliane Moore como Liam Neeson brindan trabajos muy pero muy buenos mostrando en cada plano del filme los diferentes problemas que la convivencia matrimonial puede llegar a generar a lo largo del tiempo. También vale aclarar la más que correcta actuación de Amanda Seyfried, quien a pesar sentirse un poco forzada a mi modo de ver en algunas escenas, termina brindando una convincente actuación aunque no tan pulida como la del dúo protagónico.

En definitiva, “Chloe” es una más que recomendable cinta cinematográfica. Sin demasiados aires de grandeza pero brindando una propuesta seria que se mete de lleno en los problemas cotidianos de la vida de las parejas, “Chloe” termina siendo un filme de muy buenas intenciones.



Estefania Vieyra Rivas

El mejor lugar del mundo

Zhang Yimou es el alma de esta película. Partiendo de un guión interesante pero algo convencional, el director aporta toda su sabiduría para dotar a cada escena de una belleza, de un lirismo, de una sutileza, de un sentimiento implícito, que convierte esa historia de amor en una frágil estatua de cristal que se puede romper a la mínima brusquedad.



Es una historia de amor juvenil, llena de matices, de buenas intenciones. Cómo hacer un arte de la ilusión, cómo hacer de un detalle un mundo entero de fantasía, el motivo para mantener la felicidad de varias horas. Todo ese flirteo casi infantil queda reflejado con una ternura extrema en Camino a Casa, una preciosa película de ritmo lento, pero firme y sensual. Una obra de arte que nos demuestra cuán elocuentes pueden llegar a ser los silencios en el cine.

Yimou utiliza el flashback de manera muy original. En lugar de utilizar el color para el presente y el blanco y negro para el pasado, invierte la situación. El presente, dominado por la cercanía de la muerte, es lo átono, lo deprimente. Pero todos esos recuerdos llenos de pasión, de felicidad, están cargados de luz y de color.
 la perfecta combinación de la fotografía, la plena significación de los colores vivos, la iluminación del Sol a lo largo de todas las estaciones y cómo el amor y el estado anímico influyen en todo lo anterior. Una verdadera maravilla visual que cuenta además con unos espléndidos exteriores, que no están para nada desligados de la historia. Es por eso que la parte en color es la que realmente encandila al espectador, y, en la última parte, el retorno al presente, se pierde un poco esa extraordinaria calidad, aunque sigue siendo una buena muestra de cine.

Las interpretaciones son también muy buenas. Sin ellas, posiblemente tampoco se habría podido expresar esa relación basada en las miradas, en las sonrisas y en la trémula presencia. Porque la timidez es el símbolo de la inocencia en el amor, y aquí es explotada como el colmo del romanticismo.

En definitiva, es ésta una preciosidad de película, que, aunque quizá es demasiado pronto para decirlo, permanecerá en la memoria del espectador como uno de esos filmes encantadores, uno de esos recuerdos dulcísimos que justifican el cine como parte inapelablemente ligada a nuestra propia vida.

Estefania Vieyra Rivas

Annie Hall, una mujer extraordinaria

La acción tiene lugar en NYC y fugazmente en LA, a lo largo de algo más de un año en 1976. Narra la historia de Alvy Singer (Woody Allen), actor cómico, de unos 40 años, neurótico, chistoso, enamoradizo, con temores y miedos al matrimonio, divorciado 2 veces, enfermizo, que lleva 20 años sometiéndose, sin éxito, a terapia psicológica. Annie Hall (Diane Keaton), de Wisconsin, de unos 30 años, pareja de Alvy, es guapa, inteligente e insegura. Alvy, en funciones de Pigmalión, le aconseja visitar al psicoanalista y leer obras de creación literaria. La pareja vive una etapa de enamoramiento, a la que sigue otra de divergencias y distanciamiento.

La película se asienta sobre una estructura narrativa fragmentada por flashbacks (amores anteriores ), intervenciones de Alvyn dirigidas a la cámara, sueños, escenas de animación (Annie compara en sueños a Alvy con la bruja de "Blancanieves"), imágenes con subtítulos (que revelan el verdadero pensamineto de los interlocutores), división de la pantalla en dos partes desde las que los actores se interpelan. La obra glosa la dificultad de las relaciones amorosas prolongadas, las obsesiones morales sobre el sexo, el amor y la fidelidad, las dudas e indecisiones ante una realidad que cambia, la inmadurez emocional. Refleja con acierto cómo se entendía el amor en la década de los 70.

La música, escasa, incluye dos canciones melódicas magníficas: "Seems Like Old Times" y "It Had To Be You". La fotografía realiza tomas largas y construye escenas de una sola toma, de gran fuerza. El guión se basa en los diálogos. La interpretación de los dos protagonistas es excelente. Keaton ganó un Oscar (actriz) y Allen una nominación a mejor actor. La dirección crea una obra llena de sutilezas y sorpresas visuales.



ESTEFANIA VIEYRA RIVAS

viernes, 1 de octubre de 2010

Camino a casa

La película "EL camino a casa" narra la historia de Luo Yusheng que es un hombre de negocios que regresa a su pueblo natal en el norte de China para asistir al funeral de su padre , el profesor del lugar. Se encuentra con la insistencia de su anciana madre sobre que los ritos deben ser observados escrupulosamente, sin darse cuenta de que los tiempos han cambiado. Pero pronto comprende que el respeto es un valor fundamental para su madre y los habitantes del pueblo.

Esta película, Zhang Yimou encontró a su nueva musa en la joven actriz china Zhang Ziyi. Este director forma parte de la quinta generación del cine chino, la cul está integrada por aquellos directores que comenzaron su carrera después de la Revolución Cultural a finales de los años 60.

El director usa el flashback de manera diferente a como lo hemos visto en cualquier película, utiliza el color para el pasado y el blanco y negro para el presente. Todos los recuerdos de amor y felicidad tienen color, mientras que el momento de muerte, depresión y tragedia se queda en blanco y negro.

Es una historia de amor juvenil lleno de buenas intenciones, es un drama sobre la tensión generacional, el respeto a los mayores y la superación de las viejas costumbres.


El camino a casa (wo de fu qin mu qin)
Director: Zhang Yimou

Producción: Guanxi Film Studios.

Música: Bao San

Fotografía: Yong Hou

Reparto: Zhang Ziyi, Honglei Sun, Hao Zheng, Yuelin Zhao, Bin Li, Guifa Chang, Wencheng Sung, Oi Liu.

Año: 1999

País: China


Dinah Pardillo

domingo, 26 de septiembre de 2010


Un thriller que apela al sentimiento desde sus compases iniciales. Funciona mejor la historia de amor silenciado que la trama policial, más tópica. Su director, Juan José Campanella, descarga el peso de la historia sobre el diálogo.


Seguir viviendo de los recuerdos o decidirse a olvidar para mirar hacia adelante y recuperar el tiempo perdido. Ese es el dilema de Benjamín Espósito, un jurista reconvertido en escritor tras su jubilación, un idealista que creía en la justicia, y también un enamorado “pánfilo” que dejó perder el tren de su vida. 


El director Juan José Campanella vuelve por sus fueros melodramáticos para ofrecernos en “El secreto de sus ojos”, una película muy “a la argentina” en la que juega con dos tiempos y dos realidades, la de la vida y la ficción: atrás queda la que investigó el protagonista en un caso de violación y asesinato, ahora revisada y ampliada cuando se dispone a escribirla como novela para rehuir sus fantasmas.


 Dos momentos y dos ejercicios de creación e indagación —muy buena la secuencia inicial de escritura de lo que podía ser su novela y que el espectador visualiza—, donde caben tantos finales como posibilidades ofrece la libertad o el amor en un ejercicio de compromiso complicado y duro, pero que hace que la vida no quede “llena de nada”.


En "El secreto de sus ojos" nos encontramos con un empleado de un juzgado que tiene que investigar la violación y asesinato de una joven casada. Aunque la película tiene mucho de investigación y no renuncia a los momentos en que el protagonista empieza a recordar lo que dijo éste y aquel y empieza a atar cabos (aunque algunos quedan le quedan un poco forzados como el argot epistolar), sobre todo se recrea en dibujar a unos personajes normales pero que rápidamente se hacen querer, a explorar sus relaciones. 


Pero insisto, no a explorarlas en plan cansino, sino a describir relajadamente como interactuamos entre nosotros. Todo esto con un asesinato de fondo. La relación que más gustará al público será sin duda la de amor, y no seré yo quién la critique, pues como todo lo que ha hecho Campanella, es preciosa, pero personalmente no me ha acabado de convencer la actriz, Soledad Villamil, lo que de ninguna manera resta mérito al conjunto. Es sólo que a mí no me ha llegado como el resto del reparto.


 Y eso que protagoniza una escena preciosa de despedida en un tren. Todo un clásico. Claro que también protagoniza con diferencia la peor de todo el filme: la del interrogatorio, más falsa que un duro de madera. El reparto aún así, magnífico. Todos recreando, sin hablar de ello, un momento complejo de la historia argentina, el terrorismo de estado, como han sido muchos en el pasado siglo. Y al mismo tiempo homenajeando al género, con su ayudante borrachín, como tiene que ser. Humor tampoco le falta a la película.


ESTEFANI VIEYRA RIVAS

EL SECRETO DE SUS OJOS

                                                                                                FICHA TÉCNICA

Título: El secreto de sus ojos
Título original: El secreto de sus ojos
Dirección: Juan José Campanella
País: Argentina
Año: 2009
Fecha de estreno: 25/09/2009
Duración: 127 min.
Género: Thriller
Calificación: No recomendada para menores de 7 años
Reparto: Ricardo Darín, Guillermo Francella, José Luis Gioia, Javier Godino, Pablo Rago, Soledad Villamil













SINOPSIS


Benjamín Espósito, secretario de un Juzgado de Instrucción de la Ciudad de Buenos Aires, está a punto de retirarse y decide escribir una novela basada en un caso que lo conmovió treinta años antes, del cual fue testigo y protagonista. Su obsesión con el brutal asesinato ocurrido en 1975 lo lleva a revivir aquellos años, trayendo al presente no sólo la violencia del crimen y de su perpetrador, sino también una profunda historia de amor con su compañera de trabajo, a quien ha deseado y amado fervorosamente y en silencio durante años. La novela que escribe Espósito nos hace recorrer los años 70, cuando en Argentina se vivían épocas turbulentas, el aire estaba enrarecido y nada era necesariamente lo que parecía ser.


CRÍTICA


Es una de las pocas películas argentinas que ha sido denominada como muy buena película y lo afirmo también, tiene una historia muy buena porque está muy bien contada, es apasionante, con un poco de suspenso y sobre todo realista.
El tiempo es lineal en toda la película. En cuanto a actuación, los actores tomaron su papel a la perfección aparte de que están muy bien creados. Cuando en muchas ocasiones las actuaciones suelen ser muy pésimas, ésta fue la excepción.
Cuando una película tiende a tener un argumento y unas adaptaciones muy entretenidas arruinan el final porque se les terminaron las ideas y llega el momento de concluir la historia, pero en este caso no fue así, la película fue entretenida desde el principio hasta el final.
El nombre de la película quedó perfecto, ya que los ojos son ventanas que pueden decirte la verdad, de la boca pueden salir muchas palabras pero te das cuenta de la mentira o la verdad a través de los ojos, significa que nuestros ojos transmiten muchos de nuestros secretos aunque los queramos ocultar, esto se refleja en la película cuando los personajes principales se miran durante la película y se nota la pasión en sus ojos y también porque se dan cuenta de quién es el asesino.


LUISA L. LE BLANC LÓPEZ 

domingo, 19 de septiembre de 2010

Disparen, fuego

Película basada en hechos reales sobre una matanza hecha en una escuela, la cual usa una historia entrelazada para dejarnos ver diferentes actuaciones y protagonistas, que al final terminaran en un mismo sitio.
El  Gus Van Sant director de películas como Milk, Psyco y junto con otros 8 directores el largo metraje Paris, te amo, él hace el uso de diferentes historias en una sola para lograr ver un acontecimiento de una manera diferente. Usa mucho diferentes tomas y ángulos de cámara como el over shoulder , full shot y aunque hay escenas en las cuales parece que no pasara nada y por un momento llegan a ser aburridas, todo se compensa al entrar al clímax de la película.
No hay mucha música, pero si hay efectos especiales que creo que van muy acodare con las escenas, y la iluminación está bien hecha, el director tanto al principio como a mitad de la película y al final ocupa la escena del cielo y como es de día y va cambiando este, claro está en cámara rápida.
Es una película muy interesante, aunque por momentos es muy lenta en el aspecto de que en una o dos escenas pasa lo mismo, por ejemplo cuando van caminando por el pasillo. Pero sin duda alguna vale la pena ver una película que nos habla sobre la matanza y como es que se desarrolla, ya que a final de cuentas es un suceso de suma importancia que sigue ocurriendo en los EU.

sANdra cAllejAs herNÄndeZ

sábado, 18 de septiembre de 2010

ELEPHANT

El filme está basado en la matanza ocurrida en el instituto de Columbine, la historia está basada en hechos reales. Al principio se me hizo un poco aburrida ya que parecía que solo nos mostraría la vida cotidiana  y aburrida de los estudiantes.

Algunas tomas no me gustaron ya que mostraba algunos pasajes lentos como los paseos de los protagonistas, aunque se veían muy reales y naturales pero en cierto momento te llegaban a marear. A lo largo de toda la trama se puede notar muy poco dialogo, sin embargo hay mucha música lo cual le ayuda mucho.

 Los planos son muy largos y llegan a resultar un tanto aburrido para los espectadores, la trama se estructura en diferentes bloques que poco a poco se van hilando en la historia. El fin de esta historia es demostrar los problemas que hay dentro de la sociedad norteamericana.

Aunque el final ya es muy conocido por muchos resulta ser muy impactante para los espectadores

Vicky Villanueva Segura

viernes, 17 de septiembre de 2010

Confusión y dolor




El tìtulo de tan particular y curiosa película "elefante", parece hacer referencia a que el tamaño de dicho animal puede ocultarnos la verdad. Pero esa no es exactamente la idea, sino que significa que la violencia es un hecho tan fácil de ignorar como un elefante en el salón.

Sin duda Gus Van Sant el director de la película, opto por el riesgo. Su película carece de ritmo, guión completo, orden, progresión y todo lo que la mayoría de los films suele tener.

Pero no son necesarios: su visión de los asesinatos verídicos que dos estudiantes llevaron a cabo en su propio instituto, va màs allá de las fòrmulas que conocemos. Van Sant no ha intentado manifestar su opinión ni mucho menos manipular al espectador, sino que de forma
 imparcial se ha limitado a mostrar los hechos para suscitar la difícil pregunta: ¿por què lo hicieron?

Los adolescentes de Van Sant son zombies que llevan muertos largo tiempo. Sus signos vitales quizás nos confundan: respiran, si. Caminan. Hacen fotos. Se interrelacionan en base a sus propios rituales. Van a clase. Parecen tener aficiones, haber desarrollado hobbies. Pero no da la sensación de que estas actividades les aporten un valor añadido a sus vidas, porque... no entienden nada. Son los hijos desorientados de unos padres desorientados. Capaces de tocar a Beethoven y pegar unos cuantos balazos en la cochera de su casa sin solución de continuidad.

El director quiere hacer una inmensa parábola sobre la fragilidad y el azar, convirtiendo un hecho luctuoso y horrible en una poética reflexión sobre la eternidad, la pérdida de la inocencia o el estado de ruina moral que amenaza al sistema educativo de su país.

Quizás podríamos pensar en un desasosegante vacío existencial, causado por un mar de continuas vanalidades, frustraciones y abandono de una sociedad experta en dar la espalda. No creo que Gus Van Sant intente hallar algo de racionalidad en todo lo sucedido. Su misión aquí es relatar de la forma más fría la terrorífica matanza de Columbine. En efecto, no hace falta dar ninguna explicación… porqué a veces las imágenes hablan por sí solas. Y no hay más.

Con unos impagables planos secuencia, unas interpretaciones más que correctas, una genial fotografía y la banda sonora a manos de los genios Ludwig Van Beethoven y Wolfgang Amadeus Mozart, el director y guionista crea una excelente atmósfera hipnótica, ideal para perderse… y reflexionar. Por su inconfundible enfoque ‘Elephant’ es una de estas obras controvertidas, que la amas o la odias, sin posible término medio. Y ya por esto (por arriesgada y valiente) merece ser vista.

¿Que sentimientos provocò en mi esta película?
¿Cuanto nos afectan las burlas y el menosprecio de la gente?
¿Hasta que momento una persona puedo estallar de este modo?
Si estuviera en una situación así ¿Pensaría o actuaría como los chicos de este film?

Estefania Vieyra Rivas

UN NERD, MATA A OTRO NERD

"Elephant" es una película que tiene un tiempo muy acompasado, a pesar de que su duración es poca. Más que nada, está basada en la matanza que hubo en el instituto de Colombine, como lo dice la sinopsis, donde aquí toman venganza 2 nerds por el mal trato que les dan en la escuela.

Las secuencias son largas y con poco diálogo, tienes que estar atento a lo que sucede en cada transición que se hace, ya que es de esas películas que van contando la historia de distinta persona y en el clímax todo está entre lazado. Los nerds, son personas a las que los demás siempre estarán molestándolos, ya que son débiles ante todo y no se defienden, pues, aquí muestra lo contrario, de cómo ellos también pueden tener una mente bizarra y una obsesión que surge desde un videojuego, matar. Todo esto se convierte en una masacre y en un juego que es divertido para los 2, hasta que uno mata al otro.

No se necesitó de mucho diálogo en la película, porque cada quien construye la historia a través de lo que ve y es que al ver todas las secuencias y ver todo lo que pasa, le entiendes perfectamente a la película y no es que no haya diálogos, sí los hay, pero solamente cuando pasa algo irrelevante.

La fotografía es muy buena porque puedes apreciarla durante un lapso de tiempo (porque las secuencias y transiciones vienen siendo largas como ya lo mencioné) aunque los espacios abordaban mucho color, se degradó a la hora de hacer la película porque se ven muy opacas, pero aún así, es pasable.

El director hizo que el final fuera a la interpretación del espectador ya que termina en un momento donde te preguntas ¿Sí los mató? ó ¿Los dejó ir? así que deja mucho a la imaginación.

En fin, es buena película para aquél que aprecie el arte y sobre todo esté atento de lo que pasa.


LUISA L. LE BLANC LÓPEZ

Fuego

Por:
Alan Muñoz Medina

Una de las mejores películas del director Guillermo Arriaga (quien en el pasado nos había deleitado como guionista con Babel y la clásica Amores Perros), es sin duda alguna fuego, película que fuera lanzada hace dos años, es decir en el 2008 cuyo nombre inglés es The Burning Plain.

Así, esta película nos presenta el argumento de una relación bastante extraña entre los hijos de una pareja que resultaron ser amantes, quienes poco a poco empezarán a sentir el amor entre ellos dos, pero que por una razón tienen que separarse, convirtiéndose ella en una mujer cuya vida es más placer que nada.

El resultado de este argumento resulta entretenido, más no quiere decir que sea la mejor película posible, pues puede considerarse un intento primerizo del director por contarnos una historia sin la necesidad de ser la sombra de alguien, por lo que este se ve en la necesidad de contarnos su propia historia.

Esto no quiere decir que la película sea algo malo, pues tiene dentro de ella la actuación de la famosa Charlize Theron, quien en más de un momento logrará sacar algún suspiro por sus escenas que irradian sensualidad de ella, así como una de las mejores interpretaciones de su carrera.

Técnicamente no va a resultar un gran prodigio, pues los ángulos y todos los elementos usados dentro de su construcción, dejan a esta película en una muestra moderna artesanal del cine, pues es una película de ambiente actual sin los lujos que presentan las películas de Hollywood.

En sonido lo más destacable pueden ser los silencios, que a pesar de que muchos puedan pensar que son un elemento carente de información, resultan ser los más emotivos dentro del filme.

Elephant

Por:
Alan Muñoz Medina

Elephant es una de esas películas que nada tienen que ver con el titulo que llevan, y es que bien podría tener un nombre más apegado a la situación que nos muestra como "La Venganza de los Nerds" o algo por el estilo.

Así, bajo una premisa cuya enseñanza principal es no molestar a los débiles ya que éstos algún día se vengarán (una frase muy parecida a la que dice uno de los jóvenes durante la masacre), se nos mostrarán las historias de varios personajes que durante el trayecto del filme permanecerán separadas hasta el trágico final, donde dos jóvenes cuyos problemas existenciales los llevan a hacer el juego más divertido de sus vidas.

Es destacable que durante esta perturbadora historia, hay un elemento prácticamente inexistente que hemos observado en casi todas las películas, y estos son los diálogos, cuya presencia solamente está en los abusos que sufren los protagonistas por parte de sus futuras víctimas, un elemento muy a favor del director, quien sustituye a estos con una gran cantidad de secuencias que explican toda la historia. Eso sí, los pocos diálogos que aparecen durante el filme muestran un humor negro tanto a la hora de que los molestan, como a la hora de ejecutar a las víctimas.

Sin duda resulta una película muy satisfactoria por la temática que aborda, lo cual nos deja con muchas dudas al respecto de si los personajes son o no villanos, pues muchas de las víctimas tenían culpa de sus muertes.

¿Quienes son los verdaderos malos, quienes los molestaban o quienes hicieron la masacre?
¿En realidad puede algo tan perturbador cambiar la percepción de las demás personas acerca de los nerds?

jueves, 16 de septiembre de 2010

Elephant (EUA,2003)


TítuloElefante
DirecciónGus Van Sant
ProducciónDanny Wolf
GuiónGus Van Sant
RepartoJohn Robinson
Alex Frost
Eric Deulen
Elias McConnell
GéneroDrama
 Sinopsis:Esta película está basada en la matanza ocurrida en el Instituto de Columbine. La vida cotidiana de los alumnos se esboza desde diferentes ángulos, los que terminan enlazándose al estallar la tragedia. Se trata de una reconstrucción de la tragedia que conmocionó a la sociedad estadounidense.

lunes, 13 de septiembre de 2010

LOS INFIELES

"Fuego"

Una película con una historia muy interesante, la manera en que el director maneja las secuencias en sus películas están bien realizadas. Esta película me hizo recordar a la película mexicana "Amores Perros" dirigida por el mismo director, ya que utiliza las mismas secuencias y son historias entrelazadas, sólo que en la de "Fuego" las secuencias hacen que no se salga de la historia.


Refleja mucho lo que es la infidelidad, el abandono, la traición y el amor. ¿Quién iba a pensar que una americana y un mexicano, los dos casados y con hijos, iban a  tener una aventura y que a partir de esto, tanto la hija de la americana y el hijo del mexicano quedarían juntos después del perturbador accidente?


Nos hace ver como el destino y las obsesiones pueden tomar un papel en tu vida que podría ser dañino y te puede marcar por siempre. A pesar de ser dirigida por un mexicano, viene siendo americana pero tiene estilo de película mexicana, como si fuera de bajo presupuesto, las imágenes muy opacas.


Muy buen drama, hasta podría ser recomendable, lo que sí hizo que la película quedara como "poca cosa" fue su final, no es convincente y a varios espectadores que no la han visto, podrían llevarse una gran desilusión.


LUISA L. LE BLANC LÓPEZ.

EL INFIERNO

Este film pese a que es un poco largo me pareció entretenido, me mantuvo atenta. He de reconocer que no me parece de lo mejor esta imagen de mexicanos narcotraficantes que se promueve con esta película, pero también hay que verlo desde el punto de vista, de que es importante que la ciudadanía este informada de la situación del país. No solo en los periódicos, ahora hasta en las películas está de moda el tema de los narcotraficantes.



El reflejo de esta imagen del mexicano influye en otros países, donde la poca información que se tiene de nuestros medios, es sobre descabezados y balaceras.


Pienso que la progresión es buena, a mí nunca me dejo aburrida, siempre estaba esperando que algo sucediera. Los escenarios que utilizan, la iluminación, los vestuarios están muy bien ya que tratan de reproducir un cierto estilo.


La música es un recurso del que mucho se echa mano en esta película, ya que ese género es como referencia de narcotraficantes, el modo de expresarse o de hablar también.


Llama mucho la tención los roles que se reproducen, que piensan que es característico del mexicano, sentirse menos, la falta de educación y la falta de valores se exaltan en la película. Las faltas de ortografía son muy cómicas, creo que es fuerte la critica al gobierno y hay muchos significados en esa escena del 16 de septiembre. el final se me hace poco verídico pero esta aceptable.

Juliette Isamar Barreto Torres.

Transpointting

En lo particular esta película me gusto mucho, pienso que el guion es muy bueno, ya que maneja la realidad de muchos jóvenes, no solamente en los países desarrollados se da este problema, también en países como el nuestro y en peores circunstancias.


Me gustan algunos efectos que usaron para la realización de este film, por ejemplo cuando él está en el cuarto y tiene alucinaciones, sobre todo la parte en la que ve al bebe. La escena que en lo personal se me hizo más conmovedora fue cuando encontraron al bebe muerto.


La progresión de esta película es buena, porque nunca se mantiene en una línea, siempre va dándote sucesos importantes, mantiene un ritmo interesante, que te mantiene al filo de la banca.


Cada detalle de esta película está muy bien cuidado, los escenarios son muy adecuados, los vestuarios, caracterizaciones, iluminación, etc. La actuación de todos es fantástica, ya que logran tocar cada fibra de ti, y la música no se queda atrás, es una parte importante de la película.

Juliette Isamar Barreto Torres.

domingo, 12 de septiembre de 2010

¿Experiencia o experimento?...

Como muchos ya sabemos llegó a los cines de la republica mexicana el primer proyecto como director del guionista Guillermo Arriaga

cabe señalar que en este film, veremos si realmente las historias que escribía las supo adaptar perfectamente González Iñárritu, o si las historias

eran buenas por si mismas como para necesitar de él (quizás si son una buena pareja después de todo), sus anteriores trabajos como "Amores Perros" o

"Babel", han quedado atrás y ahora sabremos si realmente tienen potencial de manera separada.

 
Ésta ópera prima, trata de una mujer con los nervios a punto de estallar que emprende un viaje emocional hacia el momento crucial de su vida en el pasado.

Desde mi punto de vista, la pelicula tiene ciertos detalles que la hacen diferente a sus peliculas junto a Iñárritu, la mas clara es la tecnica de las tomas,

pero muy parecida en cuanto a la forma de desarrolar el tema y sobre todo, el guión.

El film tiene dos historias desarrollandose, la primera es sobre una mujer que trabaja en un restaurante como administradora

que se divierte sosteniendo relaciones esporadicas -como de secundaria- intentando no envolver emociones con estos.

La segunda historia trata a dos jóvenes adolescentes que vinculan una relación amorosa no aceptada por sus familiares, pero sin dudarlo luchan por seguir juntos,

enfrentándose mas adelante con la sorpresa de que la madre de la chica y el padre del joven fueron amantes pero ambos fallecieron en un incendio mientras mantenian relaciones.

Es una pelicula graficamente muy buena, pero respecto al desarrollo de la misma me parece algo confusa al principio, no queda clara la relación de los personajes, sin embargo

una vez que se comienza a atar cabos, la historia se vuelve muy previsible y casi anticipas desde mucho antes el final, supongo que hasta al mejor cocinero, se le queman los frijoles.

¡Como no con todo gusto!

Carlos Miguel Ortiz Peña.

El fuego de Arriaga

Guillermo Arriaga levanta la mano como otro representante de México dentro del Séptimo Arte creando una historia inteligente que si bien su mensaje al final no termina siendo del todo claro, sí cumple con una función fundamental en el cine, que es brindarle al público nuevas historias que le permitan verse reflejado en algún instante su vida, y en este punto Fuego cumple a la perfección.

Arriaga juega con el aspecto tiempo y espacio, en el cual tiene gran valía la actuación de Charlize Theron quien resulta ser la hija de Basinger en la película; el personaje de Theron es fundamental en la trama ya que sus acciones resultan siento determinantes en el rumbo de casi todos los integrantes de esta historia, donde también vive un romance con el hijo del amante de su madre, cuyas consecuencias nos remiten al futuro de Mariana, el nombre de la muchachita a la que da vida la actriz.

Inteligentemente, esta historia está ligada al pueblo mexicano porque resulta obvio que la migración y la diversidad cultural son elementos con los que el director cuenta para adentrarse en el gusto del público en su país de origen, aún cuando la temática principal se encuentra aislada de estos dos factores.

Fuego (The burning plain)
Dirección: Guillermo Arriaga
Producción: Walter Parkes y Laurie MacDonald
Música: Hans Zimmer y Omar Rodríguez López
Fotografía: Robert Eiswit y John Toll
Reparto: Charlize Theron, Kim Basigner, Jennifer Lawrence, Joaquin de Almeida, Tessa la, José María Yazpik,
Año: 2010
País: E.U
Dinah Pardillo

Lejos De La Tierra Quemada


Guillermo Arriaga, reconocido guionista de películas como “Amores perros”, “Babel” y “21 gramos” debutó como director de cine con la nueva película “fuego” o también conocida como “lejos de la tierra quemada”.

En el film retrata historias donde el tiempo es parte esencial de la película ya que como es costumbre de Arriaga entrelaza historias y las maneja en tiempos diferentes, en situaciones diferentes y por supuesto lugares diferentes para concluir entrelazándolas, lo cual le a generado un gran prestigio como guionista. El primer personaje es una mujer que trabaja en un restaurante de Oregón como encargada y que se divierte sosteniendo relaciones sexuales casuales con quien sea por supuesto intentando no involucrarse nunca sentimentalmente con estos.

La segunda historia trata a dos jóvenes adolescentes que vinculan una relación amorosa no aceptada por sus familiares, pero sin dudarlo luchan por seguir juntos, enfrentándose mas adelante con la sorpresa de que la madre de la chica y el padre del joven ya muertos, fueron amantes.

El film está plagado de sentimientos como el amor, el desamor, el engaño, la traición, la culpabilidad y el arrepentimiento que, de una u otra forma identifican al público y lo mantienen al borde de su asiento, por lo menos después de la mitad de la película puesto que al principio es algo complicada de entender y la distracción de intentar que las piezas embonen es difícil.

IETZA GALLARDO ESPINOSA.

El Infierno

Alan Muñoz Medina

Dentro de la horda de películas y cineastas mexicanos de calidad, se encuentra el indudablemente destacado Luis Estrada, famoso por sus filmes como “La Ley de Herodes”, donde su principal característica siempre fue la forma de criticar la sociedad con su estilo propio.

Es gracias a esta característica que nos llega “El infierno”, una película de corte crítico, que nos refleja una historia al más puro estilo de películas y videojuegos como Scarface o Grand Theft Auto, nos muestra la historia de un personaje de nombre Benjamin García, quien después de vivir veinte años como inmigrante en los Estados Unidos, quien gracias a que es deportado, regresa a su país solamente para darse cuenta la nueva realidad en la que están inmersas todas las personas, así durante la historia, él conoce a su cuñada de quien se enamora y va introduciéndose al mundo del narcotráfico donde no hay nada que celebrar.

Toda la trama resulta muy construida (y no por el director o el guionista) debido a que los temas tratados son más comunes de lo que parecen ser, así desde el principio se mostrará una crítica social que toma temas como la inmigración, los deportados, la corrupción en todos los ámbitos de la sociedad, la pobreza, el debilitamiento de los valores dentro de la sociedad, las cortinas de humo ocultas y sobre todo el narcotráfico que resulta el tema principal.

Por esta temática esta película pasa a ser un espejo social que va a causar polémica no sólo por la crudeza de algunas escenas las cuales rozan la perturbación mental, sino por el alto grado de reflexión que se muestra desde la propia publicidad de esta película.

Es por todo esto que este filme podrá ser uno de los filmes nacionales de la temporada, ya que a parte de lo anteriormente mencionado, este filme cuenta con una ambientación de lujo que introduce al espectador en este mundo lleno de groserías y sexo.

El Infierno, es real.



Es una sátira de la realidad, un humor negro aplicado sobre éste gran problema que tiene México.

Muestra cómo actúa el narcotraficante sobornando gobiernos e iglesias ejerciendo poder sobre estos ámbitos.

La crueldad con la que trabajan los grupos enemigos, sin respetar familia ni valores, usando a la gente pobre que,

ante tanto poder de impunidad, cree que solo pueden tener esta alternativa de generar dinero y mantener a su familia.

Esa es la auténtica entrada en este negocio siendo usados como objetos, obedeciendo órdenes y arriesgando su vida

para cumplir con las mismas.

“En México se hace lo que se puede no lo que se quiere”.

Es una frase utilizada en esta película haciendo ver las escasas alternativas para salir adelante de las personas utilizadas.

Violenta, cómica (a su manera) y entretenida, el infierno es un film altamente recomendable no tanto por el sentido cinéfilo de

analizar su matiz y la trama que se desarrolla, sino que es un film que trata con mucho cuidado y expresa ciertos aspectos que

aunque sean difíciles de creer suceden en nuestro país.

La sátira y el humor negro es lo que hacen que el film resulte atractivo para cualquier publico pues disfrazan de esa manera

la verdadera realidad de la vida de los narcotraficantes.
 
CARLOS MIGUEL ORTÍZ PEÑA